Madonna de cuello largo (1535) Parmigianino (1503-1540) Pintura renacentista italiana, manierista Museo de los Uffizi (Florencia) Oleo sobre tabla (214 x 133 cm)
Lucia Molleda Estudiante de bachillerato, Torrelavega (Cantabria) www.eolapaz.com

Su nombre de pila es Francesco Mazzola, pero su sobrenombre le viene dado por su ciudad natal Parma. Sus pinturas más hermosas son Madonnas estilizadas, casi deformadas por su esbeltez. Empezó como artista precoz, pues a los 19 años ya recibió su primer encargo, unos frescos para una iglesia de Parma. Mostró curiosidad por los grandes artistas de la generación anterior y por los adelantos de la ciencia, que en aquel momento estaba muy relacionada con la alquimia. Parece que sus estudios de alquimia en Parma ocupaban gran parte de su tiempo, lo que le llevó a la cárcel por incumplir un contrato con una iglesia en la que tenía que terminar unos frescos. De sus últimos años es el cuadro del que hablamos, la “Madonna del cuello largo”.
1535 mediados del s. XVI (Edad Moderna), se trata de una época con grandes cambios políticos y religiosos que impiden la tranquila convivencia del optimismo de los humanistas. Italia se ha convertido en un campo de batalla ya que Francia y España se disputan el dominio de la zona. El momento crítico de la batalla se da en el ‘saqueo de Roma’ por las tropas de Carlos V. Por otra parte la reforma protestante agudiza la crisis al cuestionar la supremacía de Roma.

El cuadro muestra a la Virgen María, de cabeza pequeña, cuello largo y un cuerpo que se agranda progresivamente y vuelve a disminuir. Destaca su alargada mano de finos dedos. Ella tiene en su regazo al niño Jesús, alargado y de tamaño desproporcionado. Los ángeles que se encuentran a la derecha de la Virgen muestran un canon parecido; destaca el primer ángel con su larga pierna. El fondo es algo surrealista, ya que se puede contemplar una columna sola a cuyos pies se encuentra San Jerónimo representado como si fuera un enano por la supuesta distancia, con una traducción de las Sagradas Escrituras en sus manos, y por detrás un paisaje desierto.
La pintura está realizada sobre un óleo sobre tabla. Muestra tonos amarillos sucios, y tonos fríos como oscuros azules y verdes. La iluminación crea sombras y contrastes que dan volumen a los personajes, utilizando la “técnica de los paños mojados”, que pega la tela al cuerpo para mostrar su anatomía. El punto de vista es muy bajo y así la Virgen aparece como ocupando todo el cuadro. A la derecha hay mucha gente y a la izquierda un paisaje sin gente., lo que muestra un desequilibrio en la imagen. Todo daría lugar a tres planos diferenciando el primero, ángeles, Virgen y niño; el medio, con la pequeña imagen del santo; y el último, en la lejanía con un paisaje nocturno.
Respecto a su historia, esta pintura de retablo fue ordenada en 1534 por Elena Baiardi para decorar la capilla de la familia Baiardi en la iglesia de Santa Maria Dei Servi, en la ciudad de Parma en el norte central de Italia. La pintura quedó inacabada cuando Parmigianino murió en 1540; eso explica algunas cosas, como la carencia de fin en la esquina superior derecha de la pintura, la representación de las bases de muchas columnas en el medio inferior derecho, pero sólo una sin capital al fondo. Aunque algunos dicen que el disgusto de Parmigianino por el progreso de la pintura pudo explicar que esta quedara inacabada.
No era raro encontrar en himnos medievales comparaciones entre el cuello de la Virgen y una torre o una columna de marfil, lo que fomentó el papel simbólico de la columna en representación de la Iglesia. En este cuadro Parmigianino pinta esa comparación, entre el alargado cuello de la virgen y la columna que se encuentra tras ella.
También se dice que en el cuadro, la Virgen representa a la Iglesia, que acoge en sus brazos a la humanidad, representada por el niño. Esta obra de Parmigianino es de las más claramente manieristas, y será una influencia para las posteriores obras de El Greco.