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Analizar un cuadro
"Los fusilamientos del 3 de mayo"
(1814)

Francisco de Goya (1746 - 1828)

Pintura romantica española
Museo del Prado (Madrid)
Oleo sobre lienzo (268 x 347 cm)

Juan Buendia
Estudiante de bachillerato, Torrelavega (Cantabria)
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El cuadro no goza de demasiados detalles a pesar de que es suficientemente claro y conciso y expresa todo el horror sufrido en uno de los sucesos mas trágicos de la historia de España. La luz que emplea es prácticamente natural, aunque en el cuadro una figura central vestida de blanco, de rodillas y con los brazos en alto, que parece ser el siguiente en sumarse a la matanza, se encuentra especialmente iluminada por un farol situado delante de los verdugos.
La escena se sitúa en plena montaña del príncipe Pío y en ella se puede observar una colina tras los rebeldes españoles que ocupa la mitad izquierda del cuadro y tras ella, ocupando la parte derecha de la obra, se encuentra la ciudad de Madrid pintada de un color gris y con un carácter siniestro, que simbolizan el estado de ésta. De ésta manera se pueden diferenciar dos partes en el cuadro:
-La derecha, compuesta por una serie de soldados franceses perfectamente alineados y coordinados, que disparan y matan a sus víctimas con total frialdad y sin ningún tapujo, a pesar de situarse armados y debidamente uniformados, estando así en una muy superior ventaja.

-La izquierda, en la que podemos observar a los condenados españoles en un sufrimiento inmenso. En el centro una figura acepta resignada su muerte con un gesto de dolor y brazos abiertos, a la izquierda de éste se pueden observar perfectamente los cadáveres de los que ya han pasado su pena, y a su derecha un fila con los que todavía no han alcanzado su muerte por ahora. Los más próximos a la figura central tanto por derecha como por izquierda muestran su dolor, algunos se tapan el rostro ya que no quieren contemplar la escena, otros los oídos para no oír los disparos y otros se lamentan y lloran su desgracia.
Predomina la paleta de colores oscuros, teniendo así negros, marrones, grises y algún que otro ocre y verde. En la obra predomina más la mancha que el dibujo y predominan los contrastes, fuertemente marcados, contraponiéndose el blanco impoluto de la camisa del hombre situado en el centro o la luminosidad de color del farol, con el rojo de la sangre que marca toda la escabrosa escena, remarcando una vez más la crueldad de las situación o incluso con el cielo que se encuentra extremadamente oscuro con tendencia al negro. También éste contrasta con la silueta de Madrid, de un tono grisáceo y a pesar de todo mucho más clara que el cielo. El estilo del cuadro es bastante sencillo, no contiene demasiados adornos ni detalles, sus elementos son los básicos y necesarios para expresar la penosa situación que se está viviendo.
Su composición consigue una gran profundidad dos líneas diagonales situadas a modo de ejes como son la de la montaña del príncipe Pío junto al grupo de civiles y otra formada por la línea perfectamente definida del pelotón de fusilamiento. Las líneas de las manos y sables (ondulantes), contrapuestas a las líneas perfectamente horizontales de los fusiles proporcionan un mayor dramatismo a la escena. Además no todas las líneas están igualmente definidas, se pueden observar unas perfectas definiciones en los uniformes y sables de los soldados, mientras que los cadáveres y algunas líneas del frente de la izquierda no se encuentran definidos de igual manera.

Su simbolismo, además de obviamente representar la matanza del día tres de mayo, oculta algún que otro detalle del cual se pueden obtener conclusiones. La figura central por ejemplo se encuentra con los brazos situados en cruz, como si estuviera siendo sometida a una tortura de crucifixión, además si se observan detenidamente sus manos, mas concretamente sus palmas, se pueden observar estigmas. Con todo esto, Goya, pretende comparar la muerte de todos aquellos que defendieron su país con la de muchos y muchas mártires, hecho que puede aplicarse a la actualidad con todas las personas inocentes que mueren diariamente.
El hombre también se ha tomado como símbolo de búsqueda de libertad, o incluso de valentía de quién deja ver su rostro al asesino.

Francisco Goya y Lucientes nació el día 30 de Marzo de 1746 en Zaragoza, en un pequeño pueblo llamado Fuendetodos. Fue un importante pintor y grabador español cuya obra trabaja desde el mural hasta el dibujo o el grabado, pasando por las pinturas de caballete etc. Es considerado precursor de la pintura del siglo XX.

Su aprendizaje comienza en Zaragoza, trabajando las estampas de santos y el barroco tardío por muchos años. En 1770 viaja a Italia dónde entra en contacto con el neoclasicismo y así alrededor de 1775 vuelve a Madrid.
En 1793, Goya, cae en una enfermedad que le obliga a recrearse en un tipo de pintura más original y creativa que el tipo de pintura que hasta entonces había realizado para palacios y para tapicerías. Comienza entonces su periodo maduro de creación y la transición hacia la fase romántica.
La obra de Goya representa perfectamente la época que le tocó vivir y todos sus acontecimientos, en especial la guerra de la independencia fue uno de los sucesos que más le marcaron dejando como resultado por ejemplo la colección de estampas (grabadas) Los Desastres de la Guerra que suponen prácticamente un reportaje periodístico y muestran quienes fueron los héroes reales, los de la calle. Así también vieron su creación los cuadros referentes al dos y al tres de Mayo (la carga de los mamelucos y los fusilamientos del tres de mayo respectivamente).
De entre su obra destaca también la maja desnuda que ha alcanzado gran fama no solamente por su calidad pictórica, sino que también por la misteriosa identidad de la retratada.
Su obra cumbre está constituida por los catorce cuadros que conforman la llamada colección de pinturas negras. Estas lo situaron en la vanguardia del arte de su época con la técnica de pintura oleo “al secco” y anticipan la pintura contemporánea y del siglo XX.

La carrera pictórica de Goya es un camino duro y largo a la par que lento que transcurre a base de golpes de gracia repentinos hasta el momento en el que se encuentra a sí mismo y alcanza su personalidad y magistralía en la expresión.
Durante este camino muchos son los factores que afectan a su estilo, no solo los pictóricos, como corrientes etc., sino que su vida se ve marcada por tensiones espirituales que surgen de desgracias personales y por sucesos históricos trágicos en la historia de nuestro país y sobre todo para la sociedad a la que le tocó vivirlo.
Así se ve influenciado por ejemplo por las guerras napoleónicas y por la guerra de independencia española, que le marcó tanto por la situación de hambruna, miedo y desolación que vivió, como por el dolor de la muerte de muchos hombre y mujeres semejantes a él a manos de un ejército que abusaba de su poder.
De esta manera Goya vio también como la sociedad del antiguo régimen se hundía y desintegraba, dando lugar a la modernidad, la cual precisó un duro arranque.
Goya dejó a lo largo de su vida, óleos, grabados, y dibujos donde reflejaba la ambición de los poderosos, lo bello de la amistad, el horror de la guerra, el agobio de la angustia personal y la alegría de numerosas fiesta, romerías, verbenas etc. en todos los estratos sociales.

A Goya le tocó vivir el periodo durante el cual se desarrolló el neoclasicismo y nació el romanticismo.
Durante el reinado de Fernando VII en el cual Goya comenzó a retirarse progresivamente, la pintura se mueve entre dos ámbitos que se dan paso tras el barroco; una asimilación del estilo de David y los neoclásicos franceses, y una vuelta a tradiciones dieciochescas, espejo del carácter conservador y de no progreso del reino español. En esta vertiente destaca el valenciano Vicente López (1772-1850).
Goya supuso para la pintura española, además de una gran introducción de técnicas que se encontraban en la vanguardia en otros países, una gran innovación en cuánto a técnicas prácticamente desarrolladas por él como fue por ejemplo la pintura con oleo “al secco”.
Por si esto fuera poco Goya supone la base del arte del siglo posterior, es decir el siglo XX ya que es utilizado como inspiración por otros múltiples artistas que basan sus ideas en él.